Thiago Vinicius
domingo, 31 de agosto de 2014
Primeira Bienal Internacional de São Paulo
Criada pelo Museu de Arte Moderna (MAM), a 1ª Bienal Internacional de São Paulo foi inaugurada no dia 20 de outubro de 1951, em um pavilhão no Parque Trianon, na avenida Paulista, onde hoje está instalado o Museu de Arte de São Paulo, e contou com 1.854 obras, representando 23 países. Inspirado na Bienal de Veneza, seu mentor foi o industrial de origem italiana Francisco Matarazzo Sobrinho, conhecido como Ciccillo Matarazzo. A iniciativa colocou o Brasil no circuito internacional dos grandes eventos de arte.
domingo, 24 de agosto de 2014
27° bienal de artes em São Paulo
A
27ª Bienal de São Paulo (07 de outubro a de dezembro de 2006) foi inspirada em
dois pilares: o tema "Como Viver Junto "
foi emprestado do título de um curso dado por Roland Barthes (1915-1980) no
Collège de France (1976-1977) e na contribuição da obra e experiência de vida
do artista brasileiro Hélio Oiticica (1939-1980) e seu “Programa Ambiental”
(Programas para a Vida e Projetos Construtivos). Completando a proposta foram
incorporadas as idéias do artista Marcel Broodthaers (1924-1976) com a sua
crítica às instituições museológicas e o uso da arte como forma de ação e
crítica social e política.
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quinta-feira, 21 de agosto de 2014
segunda-feira, 18 de agosto de 2014
domingo, 10 de agosto de 2014
Celine Dion
Dion ganhou reconhecimento internacional pela primeira vez em 1980, ao ganhar o Mundial 1982 Yamaha Popular Song Festival, e no Festival Eurovision da Canção em 1988.Após uma série de álbuns franceses no início dos anos 1980, ela assinou com a CBS Records em 1986. Durante a década de 1990, alcançou enorme fama mundial depois de assinar com a Epic Records e lançar vários álbuns em língua inglesa, e dando sequência aos álbuns franceses, tornou-se a cantora mais bem sucedida da história da música popular.No entanto, em 1999, no auge de seu sucesso, Dion anunciou um hiato de entretenimento, a fim de começar uma família e passar o tempo com seu marido, que tinha sido diagnosticado com câncer.Ela voltou ao topo da música pop em 2002 e assinou um contrato de três anos (mais tarde alargado a quase cinco anos, devido enorme sucesso) para se apresentar todas as noites em seu próprio Coliseu no Colosseum do Caesars Palace, em Las Vegas.Celine Dion é a artista mais premiada de todos os tempos, segundo o Guinness World Records, e sua lista de prêmios incluem um total de mais de 2.100 prêmios conquistados em sua carreira e a cantora maior recordista de vendas de álbuns de todos os tempos com mais de 250.000.000 milhões de unidades apenas em língua inglesa.
A música de Celine foi influenciada por gêneros que vão do pop, rock, R&B ao gospele música clássica. Possui álbuns de vendagens jamais vistas até então por uma cantora canadense. Ela é conhecida por sua voz extremamente poderosa e tecnicamente perfeita . Céline é a artista canadense mais bem sucedida de todos os tempos e a maior artista feminina de vendas no mundo durante a era Nielsen SoundScan,e é a única artista feminina a ter dois singles que já venderam mais de três milhões de cópias no Reino Unido.Além disso, ela é autora de D'eux, o álbum em francês mais vendido de todos os tempos.Em 2004, após ultrapassar 200 milhões em vendas de álbuns em todo o mundo, ela foi presenteada com o Diamond Award no World Music Awards sendo considerada pela cerimônia a maior artista feminina de todos os tempos.
ISABELA AMARAL
Elton John
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Quando Elton John começou a se interessar pela carreira musical, seu pai, antigo tenente da RAF, tentou o convencer a seguir uma carreira mais convencional. Os pais de Elton eram ambos músicos. Seu pai tocava trompete em uma banda amadora chamada Bob Millar Band, que animava festas formais.
A família de Elton John era uma exímia colecionadora de álbuns, o que o fez-se interessar pelo estilo de Elvis Presley e Bill Haley & His Comets durante a década de 1950.
ISABELA AMARAL
Cândido Portinari
Filho dos imigrantes italianos, Giovan Battista Portinari e Domenica Torquato, Cândido Portinari nasceu no dia 29 de dezembro de 1903, numa fazenda de café nas proximidades de Brodowski, interior de São Paulo. Com a vocação artística florescendo logo na infância, Portinari teve uma educação deficiente, não completando sequer o ensino primário. Aos 14 anos de idade, uma trupe de pintores e escultores italianos que atuavam na restauração de igrejas, passa pela região de Brodowski e recruta Portinari como ajudante. Seria o primeiro grande indício do talento do pintor brasileiro.1
Aos 15 anos, já decidido a aprimorar seus dons, Portinari deixa São Paulo e parte para o Rio de Janeiro para estudar na Escola Nacional de Belas Artes. Durante seus estudos na ENBA, Portinari começa a se destacar e chamar a atenção tanto de professores quanto da própria imprensa. Tanto que aos 20 anos já participa de diversas exposições, ganhando elogios em artigos de vários jornais. Mesmo com toda essa badalação, começa a despertar no artista o interesse por um movimento artístico até então considerado marginal: o modernismo.
Um dos principais prêmios almejados por Portinari era a medalha de ouro do Salão da ENBA. Nos anos de 1926 e 1927, o pintor conseguiu destaque, mas não venceu. Anos depois, Portinari chegou a afirmar que suas telas com elementos modernistas escandalizaram os juízes do concurso. Em 1928 Portinari deliberadamente prepara uma tela com elementos acadêmicos tradicionais e finalmente ganha a medalha de ouro e uma viagem para a Europa.
Os dois anos que passou vivendo em Paris foram decisivos no estilo que consagraria Portinari. Lá ele teve contato com outros artistas como Van Dongen e Othon Friesz, além de conhecer Maria Martinelli, uma uruguaia de 19 anos com quem o artista passaria o resto de sua vida. A distância de Portinari de suas raízes acabou aproximando o artista do Brasil, e despertou nele um interesse social muito mais profundo.
Em 1931 Portinari volta ao Brasil renovado. Muda completamente a estética de sua obra, valorizando mais cores e a ideia das pinturas. Ele quebra o compromisso volumétrico e abandona a tridimensionalidade de suas obras. Aos poucos o artista deixa de lado as telas pintadas a óleo e começa a se dedicar a murais e afrescos. Ganhando nova notoriedade entre a imprensa, Portinari expõe três telas no Pavilhão Brasil da Feira Mundial emNova Iorque de 1939. Os quadros chamam a atenção de Alfred Barr, diretor geral do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA).
A década de quarenta começa muito bem para Portinari. Alfred Barr compra a tela "Morro do Rio" e imediatamente a expõe no MoMA, ao lado de artistas consagrados mundialmente. O interesse geral pelo trabalho do artista brasileiro faz Barr preparar uma exposição individual para Portinari em plena Nova Iorque. Nessa época, Portinari faz dois murais para a Biblioteca do Congresso em Washington. Ao visitar o MoMA, Portinari se impressiona com uma obra que mudaria seu estilo novamente: "Guernica" de Pablo Picasso.
Em 1952 uma anistia geral faz com que Portinari volte ao Brasil. No mesmo ano, a 1° Bienal de São Paulo expõe obras de Portinari com destaque em uma sala particular. Mas a década de 50 seria marcada por diversos problemas de saúde. Em 1954 Portinari apresentou uma grave intoxicação pelo chumbo presente nas tintas que usava.
Participação política
Portinari foi ativo no movimento político-partidário, inclusive, candidatando-se a deputado federal em 1945 pelo PCB e a senador, em 1947 , pleito em que aparecia em todas as sondagens como vencedor, mas perdendo com uma pequena margem de votos, fato que, aventou-se suspeitas de fraude para derrotá-lo devido o cerco aos membros do Partido Comunista Brasileiro
A morte
Desobedecendo as ordens médicas, Portinari continuava pintando e viajando com frequência para exposições nos Estados Unidos, Europa e Israel. No começo de 1962 a prefeitura de Barcelona convida Portinari para uma grande exposição com 200 telas. Trabalhando freneticamente, a intoxicação de Portinari começa a tomar proporções fatais. No dia 6 de fevereiro do mesmo ano, Cândido Portinari morre envenenado pelas telas que fizeram seu sucesso, já que, tinha claustrofobia e desmaiava no "corredor" de telas. Encontra-se sepultado no Cemitério de São João Batista no Rio de Janeiro.
Seu filho João Candido Portinari hoje cuida dos direitos autorais das obras de Portinari
Cândido Portinari
Entre suas maiores obras estão os painéis Guerra e Paz, pintados entre os anos de 1952 e 1956. Na época, os painéis foram encomendados pelo governo brasileiro como presente para a sede da Organização das Nações Unidas (ONU), localizada em Nova Iorque. Os dois painéis medem 14 m x 10 m cada e retratam cenas alegria e tristeza que impressionam pela riqueza de detalhes.
Mestiço (1934)
Lavrador de café (1934)
Café (1935)
Futebol (1940)
Brodowski (1942)
Descobrimento do Brasil (1954)
Banda de Música (1956)
Dom Quixote Cavaleiro Andante (1956)
Jesus entre os doutores (1957)
Crianças brincando (1960)
postado por Ana Carolina Veloso Alves.
terça-feira, 5 de agosto de 2014
Kandinsky
- De cabeça para baixo: Kandinsky costumava dizer que passou a compreender de forma mais decisiva o poder da arte abstrata quando, certa noite, ao entrar em seu ateliê, não conseguiu reconhecer um de seus próprios trabalhos, que estava de cabeça para baixo.
- Coisa de louco:As primeiras reações da crítica à obra abstracionista de Kandinsky foi de absoluta surpresa e rejeição. Muitos consideraram que aquele amontoado de linhas, cores e formas sem significado era obra de um doido varrido .
- teoria e prática
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- Alunas: Sandy Thamiris e Marina Nacife
Música Instrumental
Música instrumental no Brasil.
Como não podia deixar de ser, a música popular brasileira moldou-se a partir de todas estas fontes, bem como das influências vindas da música africana, trazida por negros de vários lugares, e também da música indígena de diversas regiões. Historiadores da música afirmam que a modinha (da Europa) e o lundu (da África) são as grandes influências da música popular brasileira e, juntamente com o schotishs, a valsa, o tango e a polca, são grandes influências também para o choro, que é essencialmente instrumental, e considerado primeiro gênero popular urbano do Brasil. Os principais instrumentos utilizados no choro são o violão de 7 cordas, violão, bandolim, flauta, cavaquinho e pandeiro, embora diversos outros instrumentos foram utilizados.
Entre os chorões solistas, talvez os mais conhecidos sejam Garoto (1915-1955), Waldir Azevedo (1923-1980), Luperce Miranda (1904-1977), Pixinguinha (1898-1973), Copinha (1910-1984), Benedito Lacerda (1903-1958), Dilermando Reis (1916-1977), Jacob do Bandolim (1918-1969), Tia Amélia (1897-1983) e Luís Americano (1900-1960), e seus principais choros “Desvairada”, “Lamentos do Morro” e “Amoroso”, “Brasileirinho” e “Pedacinho do Céu”, “Odeon”, “Lamento”, “1 x 0”, “André de Sapato Novo” (com Pixinguinha) e “Jurity”, “Brejeiro”, “Noites Cariocas” e “Flor do Abacate”, “Bordões ao Luar” e “Intrigas no Boteco do Padilha”, respectivamente. Embora geralmente conhecidos pelo Choro, a grande maioria dos Chorões compôs músicas instrumentais em outros gêneros, como Chiquinha Gonzaga com o maxixe “Gaúcho (Corta-Jaca)” e a polca “Atraente” ou Pixinguinha com a valsa “Rosa”.
O samba que, registrado desde aproximadamente 1838, sairia dos morros à condição de representante da música popular brasileira apenas por volta do ano de 1917, também conta com composições instrumentais. Pouco diferente do samba cantado, o samba instrumental utiliza-se como principais instrumentos o piano e o violão, além dos tradicionais instrumentos de percussão, incluindo o berimbau. Embora derive das mesmas influências, o samba-jazz é pouco semelhante à bossa nova, sendo criado como uma evolução desta, que ao final da década de 50 apareceu com as primeiras gravações de João Gilberto. Como em praticamente todos os gêneros, temos também na Bossa Nova, várias composições instrumentais, como a versão de “Corcovado”, de Tom Jobim, tocada pelo americano Charlie Byrd.
A década de 60 trouxe o tropicalismo, e com ele artistas como Pepeu Gomes, do conjunto musical Novos Baianos. Pepeu Gomes, guitarrista e compositor, chegou a ser considerado um dos dez melhores guitarristas do mundo pela revista americana Guitar World, tendo várias composições instrumentais. Seus álbuns “Geração de Som” e “Instrumental On the Road” são completamente instrumentais.
Em 1964 o produtor J. T. Meirelles formou a banda “Copa 5”, cujo primeiro álbum, denominado “O Som”, foi decisivo na construção de uma vertente do samba instrumental que se convencionou a chamar “samba-jazz”. Embora se utilizasse das mesmas influências da Bossa Nova (principalmente o samba, o jazz e o blues), o samba-jazz fora criado com objetivo de se distanciar e rejuvenescer a Bossa.
Os anos 70 marcam a chegada de um dos maiores compositores da música instrumental, Hermeto Pascoal. Hermeto que, desde os quatorze anos tocava nas rádios com seu irmão, teve seu primeiro álbum solo gravado no ano de 1971. Entras as faixas deste álbum, destaca-se “Velório”, na qual Hermeto recria sonoramente um enterro, como aqueles que assistira em sua terra natal, incluindo para isso 36 garrafas, que, com afinações diferentes, foram tocadas por alguns dos melhores flautistas americanos. Antes disso, porém, no mesmo ano uma composição de Hermeto havia recebido excelente julgamento de críticos ingleses que a colocaram entre as melhores músicas de 1971. A composição "Gaio da Roseira", lançada no LP de Airto Moreira, cuja letra era de seus pais que, trinta aos antes, cantavam durante os trabalhos da roça, teve o arranjo totalmente composto por Pascoal.
Ana Carolina Veloso Alves .
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